古雪夫三代虫 舞蹈编导-教学大纲
一、课程简介
舞蹈是人类最古老的艺术形式之一。在古代，她是原始人类交流思想和感情的工具。它的起源来自于人类的生产劳动。动作、节奏和劳动密切相关。无论从事何种劳动，人的手脚总是需要活动的。手是用来拍打的，脚是用来踩踏的。在某些劳动运动不断重复的过程中，会发生一些事情。伴随着有规律的节奏，伴随着喊叫或敲击棍棒、石头，最原始的舞蹈出现了。在原始部落中，舞蹈具有社会性。在人类组织分散、生活不稳定的情况下，需要一种社会号召力来团结大家，而舞蹈就是拥有这种号召力的重要手段。无论是狩猎还是战争，都是整个部落共同行动，所以原始舞蹈总是集体性的。
舞蹈艺术的主要表现手段是人体动作。当然，她要求的不是自然的形态，也不是简单的生理状态，而是在特定的时间和空间下的美化和情感的动作。因此，舞蹈的构成概括为动作（空间）、节奏（时间）、表现（情感）三大要素，缺一不可。舞蹈的艺术特征是在一定的空间（舞台、场地）和时间（一定的音乐）内，以肢体动作表达情感的艺术。也正是这种艺术方法的特点决定了舞蹈“长于抒情，不长于叙事”。为此，舞蹈编导必须熟悉和了解舞蹈的特点，扬长避短，选择适合人体动作表达的题材。
本课程分独舞、双人舞、三人舞、群舞四个阶段进行教学，涵盖理论与实操，穿插道具、情节舞蹈等。因为舞蹈编排是人体动作的一种能力训练创作、实践训练内容相当集中。
总学时：360 小时。第一学年120学时，每周3学时；第二学年120学时，每周3学时；第三学年120学时，每周3学时。
2. 课程内容
第一部 独舞编导
（60 学分）
（一）概述
编舞是舞蹈作品的作曲者和导演。编舞不同于戏剧导演。戏剧导演就是把文学剧本搬上舞台的过程中所需要的全部工作，但这不是一个普通的工作，而是一个创造性的工作——也就是把文学剧本变成表演的再创作（也叫二代）。 ）。创建）。在戏剧艺术中，剧作家只负责编写剧本，而舞台美术的再创作（二次创作）则是导演的责任。编舞者不一样。他既是整个剧本（主题、类型、形式、内容等）的创作者，又是把剧本搬上舞台的导演。编舞担负着编舞和导演的双重使命。对于舞蹈作品来说，不参与编舞就不可能执导。这是一个不可分割的整体。由于这一特点，舞蹈从创作之初就必须同时考虑形体、表情、调度、音乐、舞美、灯光、服装等各方面的要求。这只是该剧的“导演想法”部分。
（二）舞蹈创作的前提条件
作为一名舞蹈编导，只有掌握了一定的舞蹈表演技巧和舞蹈创作知识后才能开始工作。舞蹈来源于生活，是人民的艺术。舞蹈的本质决定了它的群众性。因此，舞蹈创作并不是一个神秘的王国。只要掌握基本方法和正确的创作途径，牢牢掌握舞蹈艺术表现的根本手段，不断总结和实践，一定会从你手中涌现出许多好的作品。想要创作出好的作品，必须有正确的方法。最大的前提是你对舞蹈艺术的热爱和对舞蹈事业的奉献。
1、观察生活，了解群众
生活是艺术创作的源泉，舞蹈形象和舞蹈作品的产生都是从生活中挖掘出来的。舞蹈编导只能在日常生活中进行细心细致的观察，从生活中积累大量的材料，对这些材料进行科学的分析、理解和熟悉，从中选取典型的、象征性的“材料”，并对其有充分的认识。 。只有获得了真实的个人经历和实践经验，才有可能创作出打动人心的优秀作品。
2、舞蹈作品必须充满时代精神、弘扬民族风格、积极向上。
任何艺术作品都服务于它所处的时代。跟不上时代的艺术作品就无法立足，也就失去了存在的价值和生存的空间。民族民间舞蹈之所以能够长期大量流传，最根本的原因是它能够适应大众不断变化的审美追求，紧跟时代的步伐，不断完善自身以求生存。许多舞蹈经典之所以能够长久流传，是因为它们所表达的主题抓住了人类对美好事物的追求，在作品的内容和形式上都达到了理想化的高度。现在我们提倡弘扬民族文化，强调文艺作品要反映时代主旋律。弘扬民族文化是指我们民族几千年来传承下来的优秀文化遗产。这些文化遗产是我们民族的精髓。它们蕴含着我们民族最可贵的精神品质：奋发进取、锐意进取、创新无私。舞蹈编导要运用大量蕴含民族崇高精神品格的艺术作品来教育和激励人们，从而提高整个民族的文化水平和精神品质。我们所说的时代精神应该是一种积极向上、鼓舞人心、催人奋进的精神。这种精神可以使人迸发出无穷的力量，激发人的创造力，使人深深感受到生命和自然的美丽，从而对生活充满希望和向往。 “时代精神”并不是某些人追求的所谓“时尚”。任何时尚都有自己的属性。有的代表事物的发展趋势，有的则是颓废、落后、甚至倒退的观念。在当前的一些创作作品中，确实存在一些所谓的“时尚”，实际上是背离时代、远离生活的东西。这些人把狭隘、压抑的人生观融入到作品中，甚至为了“迎合观众”、“市场效率”等而创造出庸俗的东西，这些都是我们必须坚决摒弃的。大量的好作品可以启发人、启发人、享受美。它们能让人从舞蹈美的享受中体会到一种情感的美，使人对生活、对社会产生深深的热爱。这在舞蹈作品中起到了很好的教育作用。
3、熟悉和积累专业资料，全面提高专业素养。
(1)多看、多学习舞蹈词汇。舞蹈词汇需要积累才能丰富。只有有了相当的积累，才能在创作中游刃有余、得心应手。只有了解了舞蹈动作，才能找出她的动作和变化的规律，然后对这些动作进行发展和变化。另外，对日常生活中观察到的劳动或习惯动作进行分析，了解其形状、动作规律、动作节奏等，选取其典型、有代表性的动作进行美化、提炼，使其成为闪闪发光的舞蹈语汇。
(2)各种艺术门类的综合学习。舞蹈是一门以人体动作为主的综合艺术。因此，舞蹈创作不仅要具备熟练运用人体动作的能力，还要运用其他艺术手段来提供作品的主题、人物、情节发展、高潮等。起到了火上浇油的作用。
A创作者要有很强的音乐感。乐感是对音乐的理解。不仅仅是理论上的理解，更重要的是对音乐的情感表达和音乐形象的理解。
B 学习构图和画面的基本知识。舞蹈创作在舞蹈作品中占有重要地位。好的作文能够给人以启发，让人感到它的变化无穷、内容丰富。呆板、一成不变的图片会让人觉得无趣、没有吸引力。
C需要学习服装灯光的基础知识。运用好舞台灯光变化可以加深作品的主题，渲染浓厚的气氛，将观众带入特定的场景。服装的设计当然是设计师的工作，但导演需要对服装的设计提出要求。这个要求需要考虑两点：第一，有助于澄清主题。看了服装的款式和颜色后，你就能明白你想表达什么主题；其次，服装要体现人物的身份和性格特征。另外，服装设计必须充分考虑舞蹈是一门身体艺术，用身体说话。通俗地说，它必须有利于舞蹈动作。好的服装会给观众带来鲜明的舞蹈形象，达到意想不到的效果。
D导演要充分培养自己的想象力，让舞蹈具有浪漫抒情的色彩。这是作品能够触动人心、打动观众的极其重要的一个方面。想象是文学作品中常用的技巧。奇妙的想象力就像童话故事中的魔杖。无论你触碰哪里，都会发生奇怪的变化。舞蹈要想具有原创性，想象力是实现这一目标的重要因素。
E、导演要善于启发演员再创作。因为编导完成创作后，需要演员的表演来实现作品的最终表达，有时甚至需要演员的配合才能共同完成作品的创作，所以对演员的启发至关重要。为此，导演自身的文化修养就显得尤为重要。因为准确、富有感染力的语言可以发挥演员的想象力，不仅可以满足导演的要求，甚至可以超越导演最初的设想，产生更加完美的表演。
（三）独舞创作技巧与训练
1. 站在舞台上。这是一种心理素质和内心感受的训练，独自站在舞台中央找到面对观众的勇气，并反过来思考如果在舞台上跳舞该多好。当学生能够自由地站在舞台上，不左摇右晃，不慌乱，还能自然地看着观众，表情愉快，那么就通过了这次训练。
2.个人即兴造型。老师一声令下，同学们立即即兴摆出个人姿势
3.即兴音乐舞蹈。在背景音乐的衬托下即兴舞蹈。没有具体要求。只要不停地跳舞，跳舞时一定要注意动作的新奇。你必须配合音乐的气氛并表现出优先顺序。注重流量，占领舞台。空间。
4.命题即兴舞蹈。同样是在背景音乐下跳舞，但有具体的要求，比如环境要求（在海滩上）、情感要求（奋勇前进）、形式要求（两个人）等。
5、舞蹈动机是最基本的凝聚形式，是塑造舞蹈形象的最小结构单元，具有鲜明的艺术个性和内涵。动机是过程中的行动。动机的长度一般为2-6拍。
(1) 激励的六个必要条件： A. 形象性 B. 多变性 C. 简洁性 D. 个性鲜明 E. 舞蹈性 F. 欣赏性
(2)动机分类：
A单一动机和复合动机。身体的一个部分的运动称为单一动机，而包括多个部分的两个部分的同时运动称为复合动机。
B主机和辅机。舞蹈中占主导地位的动机称为主要动机，次于主要动机但起辅助作用的动机称为次要动机。
CⅠ 形象动机 Ⅱ 节奏动机 Ⅲ 情感动机 Ⅳ 意义动机
DⅠ模仿动机 Ⅱ象征动机 Ⅲ暗示动机
6.捕捉图像并创造图像动机。在捕捉图像时，要注意提取生活中事物的典型特征，以及大家都认同的事物的共同特征。我们要把生命形式转化为舞蹈动力，把生命节奏转化为舞蹈节奏。
7、创造节奏动机、情感动机、内涵动机、模仿性、象征性和暗示性动机。
8. 发展和改变动机。发育变化包括单一变化和复合变化。单一变更仅包含一种变更方法，复合变更则包含两种以上变更方法。动机变化如下：
方向改变意味着改变动作的方向。例如，如果原型动作是面向1点完成的，那么改变后可能是面向5点完成的。
B幅度变化，即改变原型动作的大小关系。
C强度变化，即改变原型动作的强度，使得强弱关系不同。
D变速是改变原型动作的速度。
E空间变化，即改变原型动作的第一、第二、第三空间，使高低关系不同。一维空间是指除了脚接触地面外，身体的另一部分也接触地面；二维空间意味着只有脚接触地面；三维空间意味着身体的任何部分都不接触地面。
F 节奏改变是指改变动作的节奏，但不改变原型动作的持续时间。
G原型动作中添加了新的因素，但时间长度保持不变。
H保留一部分并改变一部分。 Ⅰ 上半身的保留和变化 Ⅱ 动机前部和后部的保留和变化
工字切割法是将原本一步完成的动作分成几个部分来完成，这些部分一般联系比较紧密。
J更改原型动作的连接顺序。
K倒带法是完全倒带，将所有动作完全反向进行。
L准确重复。
9. 创作舞蹈乐句。一般来说，舞曲不应超过8小节（2/4、3/4）。如果音乐是 4/4 或 6/8，则为 4 小节。一两个动机可以出现在舞蹈句子的任何地方，然后使用连接动作来隐藏它们。必须使用连接动作。它的意思是，也有人称之为“舞蹈的灵魂”。所有的跳跃、转身、脚步和连接，包括足尖，都包括在内。动机之间的联系行动应该是流动的。舞蹈短语也可以由原型动机加上她的变化动机组成。
10.舞蹈片段的创作。一个舞蹈部分通常包含两个或三个动机，但也不排除只有一个动机。一个舞段一般由四个乐句组成，其创作手法如下：
（1）原型动机加上她的发展和变化，但需要注意的是，变化后的动机一定要与原型动机拉开距离。
(2)增加主要动机和次要动机，但强调两种动机之间的鲜明对比。
(3)主要动机加上辅助动机，加上其中之一的变化和发展。
(4)主电机加辅电机加上主辅电机各自的发展变化。
(5) 多次完整地重复一个动机。
(6) 动机的完全重复加上其发展变化的后续重复。
(7)主电机连续重复加上辅助电机连续重复。
（8）主要动机的不断重复加上次要动机的不断重复加上其中一个动机发展变化后的不断重复。
(9)主要动机的不断重复加上辅助动机的不断重复，加上主要动机的发展变化的不断重复和辅助动机的发展变化的不断重复。舞蹈的进行应有起伏，避免直白的叙述，高潮通常发生在第三乐段。
11、创作完整的独舞作品。创作独舞时应注意以下几点：
（一）选材必须新颖独特、具有现实意义、构思和创作方法新颖、娱乐性强。
(2)选择富有表现力、清新、感人的音乐。
(3)把握好舞蹈的动机，将其组合成内在充实的舞蹈片段，并注意舞蹈片段之间的鲜明对比。
(4)整个舞蹈要在节奏的组合中。
(5)具有清晰的节奏模式。
(6)注重空间动态平衡。舞台管理流畅合理。
（7）不断设定兴奋点，从最好的想法开始创作。
(8)将情感贯穿于舞蹈之中，增强表现力和感染力。
(9)学会用眼睛说话，传达情感。
（10）凤头、猪肚、豹尾，高潮部分处理好。如果在高潮时情绪不能被推高，那么作品就有失败的危险，所以有时在创作之初就必须慎重考虑高潮的手段。如果你不确定，你甚至可能放弃并重新开始。
第二部分 双人舞 编舞
（60 学分）
(1)在舞蹈创作中，形体创作是最基本、最常见的。但舞蹈的思维创作却很少见。对于舞蹈思维创作，我们注重观念的创造，观念依赖于思维活动。那么思维活动就是影响我们思维和创造的主要原因。思维是对客观事物的概括、间接反映，具有一定的独立性。它反映了一类事物的共同本质特征。思维的总结依赖于“文字”，文字是我们个人头脑中的概念，而“文字”则是建立在感性材料的基础上，而感性材料又来源于实践。因此，思维是附加在实践活动中的特殊活动，是在实践活动的关系中实现的。但思维不仅仅是在实践活动中产生和发展的，因为思维是对客观实践的本质认识，是人脑反映现实的高级形式。因此，思维创造过程本身是由一定的关系发展而来的，是一个自然的过程。 。在我们学习的过程中，我们的大脑会分解和重组客观材料，并将它们与我们原有的知识结合起来。在分解的过程中，我们的大脑会对客观材料进行过滤和分析，即过滤收集到的初级事物的信息，记住事物的本质。在记忆事物本质的过程中，会根据不同人的兴趣爱好，有针对性地选择内容。
既然思维的概括依赖于“词”，而这个“词”是我们个人头脑中的概念，那么我们就必须解放我们个人头脑中的概念。古往今来，无论什么样的艺术大师，首先在观念上打破了当时的旧观念，超越了前人。因此，我们在舞蹈创作中，首先要创造思想，转变观念。
打破旧观念后，我们来解释一下社会意识、社会存在和社会需求之间的关系。社会存在决定社会意识，社会意识反作用于社会存在。社会意识决定社会需要，社会需要（包括物质和精神）决定社会存在。社会需求是社会发展的动力（即生产力发展的需求），而社会需求是最难控制的。例如：嘻哈起源于非裔美国人的原因有很多。首先，美国存在强烈的种族歧视，压抑了部分黑人的情绪。这是舞蹈的根本动力。为了宣泄情绪，黑人舞者的“审美”元素（这是无意识的），保留了其他元素（社会生活的反映；动态意象）；其次，美国是一个经济发达国家，有雄厚的经济基础作为保障，为“社会存在”的出现提供了条件。第三，随着中产阶级的崛起，文化消费方向发生了变化，成为多层次的趋势，上层阶级的审美不再是终极标准。所以有不同的社会需求。第四，随着文化思潮的进一步解放，人们的艺术追求不再只是求真写实、表达个人情感，而是追求新奇的感受，改变了以往的“社会意识”，产生了不同的“社会需求”。做好心理准备。所以嘻哈不是我们的东西，而是社会的产物。我们的生活方式与他们完全不同。我们需要学习什么？其实，我们需要学习的是一种创新精神，一种自由精神。
理论立足于实践，同时指导实践，但归根结底还是属于实践。在一定实践的基础上，才有理论的指导和完善。
我们既要把握历史发展趋势，又要注重个人修养。一个人的喜怒哀乐以及各种爱好都是由人自己决定的，所以人在社会生活中有一个定位，而一个人的定位又决定了他未来的发展风格，所以修身是有技术和理论基础的。例如：跳舞时，我们应该认识到舞蹈是我们跳的，而不是我们完成的。因为观众也在跳舞，他们的视觉、听觉、心理变化都受到我们的影响，舞者也会受到观众气氛的影响，所以我们要把表演作为一个整体来对待。如果舞者不认识观众与自己的关系，舞者与观众之间的交流就会受到阻碍。
(2)双人舞由两人表演。它应该避免成为“两个人的舞蹈”，这意味着两个人之间必须有一种关系。这种关系可以是很多方面的，比如角色、情感、日程安排、行动等。
（三）双人舞的技巧与训练
1. 双触点形状。 A包括单个接触点、多个接触点、接触表面以及接触点和接触表面的组合。 B表达不同情感的接触造型。
2.两人即兴舞蹈。包括两人分开的即兴舞蹈、两人接触的即兴舞蹈、借助空间任何物体的即兴舞蹈、有特定要求的两人的即兴舞蹈等。
3.镜子双人舞。就是说两个人的动作完全相反，就像照镜子一样。
4. 两人相连的舞蹈。两个人之间总有一个或多个接触点，这些接触点都以舞蹈的形式表现出来。基本方法如下：
A 连接手和手 B 连接臀部和臀部 C 连接胸部和背部 E 连接脚和脚 F 连接手和肩膀 G 连接头和头 H 连接脚和膝盖 I 连接头和肘 J 连接手和背部 K 连接肘和臀部L 连接头部和肩膀 M 连接胸部和膝盖 N 连接手腕和鼻子
5.影子练习。
一种反射法。一个人在桌子的平面（即水平方向）上，一个人在门的平面（即垂直方向）上。两个人的动作就像水中的倒影。在反射法的即兴训练中，门平面上的人通常是发起者，水平面上的人跟随并模仿动作。但在创作上，不再有谁是主动的，谁是被动的。到时候，两个人配合完成练习的时候，两个人的关系应该是灵活的、可以互换的。
B影仿法。事实上，它并不是完全的模仿，而是模仿的变种。即兴舞蹈中，一个人主动完成一个舞蹈动作，另一个人用身体的某一部位或全身来模仿第一人的全身或身体的某一部位。也称为远程控制方法。
6、两个人距离的技巧，即两个人之间有一定的距离，在保持这个距离的同时用舞蹈来表达。常用的距离如下：
A 脸部之间的距离为 10 厘米 B 胸部与背部之间的距离为一英尺 C 手与鼻子之间的距离为 10 厘米 D 头与肩之间的距离为 10 厘米 E 腹部与背部之间的距离肘部为 10 厘米 F 背部与背部之间的距离为 10 厘米 G 膝盖与脚部之间的距离为 10 厘米
7、纠缠与脱离，即一个人将整个身体或身体的一部分缠绕在另一个人的身体或整个身体上，另一个人向各个方向或不同的空间脱离。一般来说，纠缠者是主动方，挣脱者是被动方。
8、流线法。两人从舞台的一角跳到对角线。在此过程中，接触点必须不断变化，动作必须平稳。
9、复合举升是指将至少两个举升动作组合在一起，而不需要一个人落地，以增加举升的难度。
10、空间对比升降，即人通过力的作用从地面（一维空间）直接移动到空中（三维空间），形成升降形状。
11、画圆法。在两人接触的前提下，从竖圆、平圆、八字圆中任意选择两个，完成一套完整的动作。动作必须一口气完成，中间不能有任何停顿或中断。
12、倒带法，即将已经创作好的舞蹈片段倒转，发现更多新奇的可能性。
13. 习惯透视。将以上各种双人舞技巧结合起来，创造出精彩的舞蹈序列，然后使用倒带方法返回。当遇到障碍或发现新的机遇时，向新的方向发展，寻求持续的可能性，探索更多。居住空间大。
第三部分 三重奏编舞
（120 学分）
（一）舞蹈独特的表现手法：舞蹈以人体动作作为艺术手段。为此，它有一套相应的独特的艺术表现手段。概括起来就是：舞蹈动作（舞蹈姿势、动作组合、舞步）、舞蹈形态（画面、构图）以及一些哑剧技巧（手势、面部表情等）。
1、舞蹈动作：舞蹈语言的单词、词语就是“舞蹈动作”。这种动作与日常生活中的动作不同，需要进行艺术加工——即“舞蹈姿势”。根据需要表达的内容将美化的动作和雕塑般的舞姿组合起来，称为“动作组合”。连接动作组合的是“舞步”，有助于并突出舞蹈语言的优先级。舞蹈动作对于塑造人物形象更为重要。技术动作也是舞蹈中塑造人物性格或表达特定情节的主要“词汇”。
2、编队、画面、构图：舞蹈的编队在创作舞蹈的过程中称为构图。她是表达舞蹈作品内容、处理情感变化、连接舞蹈动作和舞步的纽带。舞台上演员的位置或流动所形成的阵型和图案称为舞台场面调度。好的舞台表演就像一部电影。
3、哑剧技巧：哑剧也是一种不使用语言，而是通过人体动作、手势和面部表情来表达情节的手段。作为舞蹈中的手势，当然首先来源于生活，但也需要经过美化、加工和概括，才能在简短的手势或表情中表达出清晰的内容。舞蹈不同于音乐、绘画和雕塑。这是时间和空间。舞蹈善于表达人们最强烈的情感。
(2)舞蹈是一门综合艺术，融文学、音乐、美术、戏剧等姊妹艺术元素于一体。
1、舞蹈与文学的关系：在具体的创作过程中，无论是作品的结构、情节的布局、细节的刻画、人物的刻画、环境的设置，还是舞蹈的运用，虚拟现实、类比、夸张、对比等艺术手段，都需要从文学作品中汲取营养。
2。舞蹈与音乐之间的关系：舞蹈音乐不仅可以赋予舞蹈的长度和速度，而且还使舞蹈词汇简洁，精确和集中。同时，舞蹈运动的语言以及情感的发展和深度也取决于音乐的旋律和节奏。反映。创建了完整的舞蹈图像，正是舞蹈和音乐的有机组合。因此，在舞蹈作品中，音乐和舞蹈共同承担着描绘角色和表达意识形态内容的任务。舞蹈的不同节奏可以突出不同的思想和情感。音乐伴奏中的差距或短暂的停顿也是一种音乐节奏的处理。通常，当突出显示出人意料或紧张的场景时，它会变成一个静止的场景。
3。舞蹈与艺术之间的关系：绘画和雕塑在静态形状中追求动态效果。舞蹈需要运动中的雕塑形状。 “舞蹈是一幅动人的绘画，是一个活着的雕塑”，“舞者用人体绘画”。编舞者应将这些自然形式升华为艺术形状。舞蹈的每一刻都尽可能传染，例如绘画和雕塑。
4。舞蹈与戏剧：舞蹈和戏剧之间的关系都是舞台表演艺术。不同之处在于，戏剧（歌剧）主要依赖演员的讲话或唱歌，而舞蹈则使用演员的身体运动来完成创作角色的任务。
总而言之，舞蹈需要音乐，节奏，舞台艺术，照明，服装，道具等才能创建图像。
（3）舞蹈作品的五个主要因素
1。深而美丽的音乐。舞蹈不再只是娱乐，而是一种思维艺术。像“茉莉花”这样的音乐相对肤浅，而“河水”和“两个弹簧反射月亮”相对深刻。舞蹈也是如此。我们需要创建更多的作品，使人们思考并具有深刻的意义。当然，不能丢弃一定数量的娱乐。
2。新颖而独特的想法。新颖性需要别人没有想到的东西，独特性和独特性反映了导演的独特性格。
3。巧妙而合理的结构。舞蹈结构如下：
（1）演示部分 - 简介，对角色或图像的初步解释以及其所在的环境。
（2）开始 - 将角色引入主要主题，或引入新状态和新的矛盾交集。
（3）扩展部分 - 发展和扩展的过程，现象已经相对发展。避免线性发展，并在波浪中发育，跌至跌中。
（4）高潮 - 情绪达到了极端，或者冲突加剧，或者形式达到了最高点。
（5）结束角色的命运。
在舞蹈界也有谈话说，不需要结构。实际上，没有舞蹈，包括任何东西，都无法摆脱结构，但这不一定是传统的结构。例如，有时舞蹈的高潮和结束重叠。
4。美丽而美妙的语言。就语言而言，我们必须追求令人眼花coint乱的观点，而且我们不能变得美丽而是精致。董事必须掌握结构能力和语言能力。
5。生动而独特的舞蹈形象。舞蹈形象的建立是舞蹈作品成功的象征之一。
（4）使用道具和风景
道具和风景可以帮助解决“想法”过程。这是一种有效的材料设备，吸引了观众的注意，并为他们提供了参考。它最直接地体现了导演的意图，并使这个想法具体。道具和风景可能具有各种特性：木材，皮革，金属，织物等。它们可能是实用的或不切实际的，大的或小的...使用道具或风景的舞蹈作品的特征以舞者之间的接触形式反映这些对象由编舞者设计。
1。直接联系：触摸
根据道具或阶段设备，这些对象的属性，大小，形状和方法是不同的。为了清楚地表达这些差异，建议进行一些具有各种属性的即兴舞蹈触摸对象，以创建适当的姿势和运动，以便身体可以以不同的方式体验不同的对象。并不难发现目前舞者的感受并未以他的习惯方式表达。他的身体为每个物体做出一些特别揭示的动作和姿势。
2。空间联系
道具或舞台设备放置在有限的空间中。它们是舞蹈的组成部分，它们的存在与舞者一样重要。空间的感觉因其存在而改变。由于这种固定的外观，最初的空白空间成为一个被占领的空间，但这将产生一定的效果。在编舞过程中，空间结构是相对于此对象的。由于这种联系，我们讨论了舞者与对象之间的联系。此触点实现了将舞者和物体分开的空间。舞者和放置的物体成为伴侣，它们同时存在于同一空间中，并提供同一舞蹈。
3。通过行为联系
通过行为接触意味着移动或玩耍对象。在这种情况下，对象成为舞者和舞蹈的道具。使用时，身体会与它接触。道具成为舞蹈运动的人工扩展。
基于对象的性质，形式和大小选择的道具在原始意义上不再是对象。创造舞蹈的目的是改变其目的，并实现超越这个物体的生命原型。艺术的语言为展示的艺术行为带来了普遍的价值。
（5）主题，主题和舞蹈的选择
舞蹈的主题是创造者想要通过舞蹈作品表达的中心思想。这是作品的主题（或主题思想）。使用特定的事物和生活状况来表达这一主题和想法。该特定材料是主题。主题是作品的核心和主体。主题是专门描述主题的材料。在舞蹈创作中，您可以首先确定主题，然后选择主题。在他生活的客观现实生活中，通过深入的观察和经验，导演分析，选择和处理那些丰富多彩而复杂的生活现象，使它们构成文学和艺术作品的最基本因素，这是主题事情。有两种选择材料的方法：直接和间接：直接是您所看到的，并听到周围发生的事情；间接是历史，神话，寓言，童话故事，绘画等。要掌握舞蹈艺术创作的特殊规则，我们必须利用舞蹈图像中的思维方式来学习和分析现实生活中的各种现象，都依靠舞蹈自己表达手段，不仅使用身体运动表达情绪，而且还要特别注意主题的动态。丰富的情绪。选择材料时，我们还应注意运动属性，该属性通常称为“可以跳舞的材料”。答：抒情，主题应该繁殖深厚的情感动机。 b直觉，它一定可以在舞台上出现并直接被观众看到或听到。
（6）三人舞的表演形式：三人舞是一种舞蹈形式，作为一种形式，它包含在编舞课程中的单元练习中。这是独奏舞蹈单元练习和二重奏舞蹈部练习的延续，也是制作舞蹈戏剧的基础。编排教学主要是关于编舞技巧的教学，也就是说，让学生掌握各种编舞方法。要将三人舞的舞蹈技巧整合到编舞和教学中，我们首先应该首先探索三人舞的表演形式：1。互动的团体舞蹈2.群体舞蹈与单一和双重共存的舞蹈3.无线舞蹈3。彼此之间的pas de Trois程序由这三种形式组成。可以单独使用，但有局限性。为了汇编需求，导演应使用更多的全面用途。这样，就三个人舞蹈和情感表达的形式而言，它将更加丰富多彩。
在三个舞蹈编辑的技术技术的教义之前，必须强调这一原则。在同一情况，相同的图片和相同的情感主题的情况下，任何三种三个人舞蹈技巧练习都必须是三个舞蹈。 ，永远不要独自跳舞或双舞。同时，使用中国舞蹈的美学原理进行挖掘。
（7）三人舞的技术和训练
1。三人接触形状。
A具有空间和方向的比较。在不变的个人样式的情况下，改变这三者的位置关系将产生完全不同的艺术效果。
B中三个之间的接触形状形成了三个人一起工作的情况，这是必不可少的。
2。三个即兴舞蹈，包括三个部分：其中三个舞蹈，单一和双重共存以及三个部分的三个部分。
3。承诺，包括三个道具舞，以及三个道具和三个人的交织舞。
4。练习联系。
方法A：三个人选择一个空间，他们自然会在舞蹈中形成三人的联系。此时，假设这三个人被设置为一个轴，则两个支点（在跑步运动中的主要角色是轴心心脏）。在彼此之间的局限性下，基于彼此的局限性，支点伴随着运动。随着支点练习的交织，由交织以形成新形状，形成了新的形状。然后在运行中流动，强调运动的过程，并利用强度的帮助来实现轴，支点，支点和锻炼中的支点的相互转换，然后形成新的形状。 “输入”是指在不规则运动线的前提下，这三个可以任意地进行空间运动。
B要求：随着中国舞蹈，歌曲，扭曲和倾泻的节奏，通过与跑步接触 - 协调三个人的运动关系，扩展了每个人的运动路线并增强舞蹈；组成，合理的职业空间。
C中三个的运行过程必须是整个。这三个可以同时启动，或者他们可以一个人移动，但是每个舞者都必须将运动线扩展到极限。在此过程中，必须对它们产生影响，以发现它们已经引起了最佳的节奏线和彼此的组成。 。如果某人的节奏线扩展到极限，但不能和谐，无法顺利进行并且无法获得新颖的构图，则可以考虑放弃这条节奏线，并由另一个动态线或由另一个人开始。简而言之，“与 -In”的接触专注于跑步。不要急于设计三个人的形状，而您无法突出显示自己。取而代之的是，您应该在跑步中创建个性化的三个人舞蹈。
5。继续进行转换练习。
方法A：三个选择一个空间，自然地形成了动作之间预定的通信之间的单个和双重分离的空间组成。假设两个人以两个人为主，单人是意图的意图，在同一空间和相同的情感主题下，它既独立（形式），又是一个统一的整体（内容）三个人舞蹈。要发现并找到双舞的节奏，请更改节奏中的支点，也就是说，两个人之一被一个人取代，另一个人成为一个人。 “连续转换”是指持续的节奏和更改支点。
B要求：从正式的角度来看，单人舞蹈是同时跳舞的，但是就内容而言，不允许单身和双人的人成为政治，并且应该将它们彼此分开。取而代之的是，它应该是一个有机的整体。有必要在动作情绪，性格关系和趋势趋势的方面进行协调和合作，但并非均匀分配。一个政党必须在一个单一和双人之间占主导地位，一个政党由一个政党补充。就视觉效果而言，这两个人在单身人数中有优势。一般而言，单身人士应该从两个人围绕两个人开始，以找到继续节奏并改变支点的机会。
简而言之，连续转换是在相同情况下，同一屏幕和相同的情感主题的三个人编排的三个人编排技术，基于三人的“接触跑步-in”。强调单身和双重形式的分离，舞蹈空间的自由度很大，单室和双室操作的沟通和空间屏幕甚至更高。因此，延续必须是聪明的，并且转换必须是合理和平稳的。
6。流动的实践。
方法A：基于根据不同的节奏或不同空间编译8个作用轴，每个人首先有3个8个动作。在前提条件下，这三个尚未准备好接触，使用各种排列方法（例如骑士，动作切割，动作分类，同步动作，流动组成）实现了流动的目的。
B要求：此练习是基于连续转换练习的单一和双重分离的重新分离，三个人可以独立跳舞。这三个人的行动空间的自由更大，但是由于这是三个人舞蹈的技术，因此有必要强调三人的行动空间和构图的结合。这三个之间的关系可以隐喻为音乐中的独立笔记[1，3，5]。当他们形成和弦时，它们必须和谐。同时，在布置过程中，无法转换三幅8张照片的运动。请注意流动中时间和空间的使用和职业，以达到最佳的流动效果。
7。三人舞。使用道具的舞蹈将以各种舞蹈形式出现。它出现在三个人舞蹈的学习阶段的原因是，三个人舞蹈的角色关系并不像舞蹈和双舞那样简单，而且它不像舞蹈那么复杂。三个人舞蹈的安排应强调人和道具的交织，在人之间交织，以及道具和道具的交织。特别是，有必要注意有序的，但在三个人和三个道具之间纠缠在一起。关系。
8。情节舞。芭蕾舞学期。最初的意图是指在结构上相对稳定并与情节发展的直接联系的舞蹈。在浪漫时期，情节舞的基本结构是：“外观”，慢板舞，男女独奏舞蹈，最后的舞蹈参加了所有演员。 “雷蒙德”，“天鹅湖”，“睡美人”和“舞蹈吉”以及“埃塞拉拉”中的舞蹈场景更典型地情节舞。自20世纪以来，情节舞蹈是相对于娱乐舞的概念，它是指表达心理和情感变化的变化并促进情节发展的舞蹈。这是一个简单的情节或事件来塑造角色和性能主题。在创造情节舞蹈时，故事矛盾的最激动人心的观点是最重要的一点。不要散布它。简而言之，它必须简洁。在表达字符图像时，应清楚地存在。
第4部分小组舞蹈编辑
（120小时）
（1）如何从编舞开始？
1。情感是行动的信息：杂货必须弄清楚您想展示角色的感受和个性。经验丰富的导演经常根据舞蹈结构的线索设计角色的连续情绪，意识甚至潜台词，并遵循此上下文进行雕刻。演员经验的导演使您可以首先进入角色，并让作品中的角色自己生活。根据深层角色，从您积累的生活的舞蹈材料中的材料的颜色，并完善此时所需的舞蹈形象，这是体验感觉体验体验的推动力。
2。典型的行动：这是成功的重点。典型的舞蹈运动越越越越越好，但个性越强，个性越好 - 必须具有杰出的个性并具有清晰的感觉。人们有七种情绪：喜悦和悲伤，爱。要设计舞蹈运动，我们必须首先说出什么是情感。但是，人们有男人，女人和儿童，即古代和现代，以及这个国家与另一个国家之间的区别。他们以不同的方式表达自己的感受，因此他们的行动具有清晰的个性。个性包括角色的个性和国家的风格。
3。舞蹈的心情：舞蹈的运动并不复杂和简化，可以突出艺术概念。舞蹈作品的艺术概念是将主题思想转变为诗意的爱的艺术观念。这是“爱”，“含义”，“场景”和“领域”的统一。它是人类的理想。艺术概念是整体情况。编舞者应专注于整体情况，小地方（行动）开始，并考虑围绕艺术概念的行动。
4。舞蹈的主题运动：首先，设计符合作品中角色（或拟人化）形象的基本动作，即塑造作品舞蹈形象的代表性动作。这种方法在民间舞蹈中很普遍。各个地区的种族和民间舞蹈都在改变，但是它们不能与许多最具代表性的行动分开。它们成为舞蹈作品中舞蹈语言（动作结合）的基础，并反复穿透动作。
动作的组合应生动，光滑和触觉。
（1）必须进行对比的更改：比较包括看似不同的，虚拟的和现实，动人而安静，隐藏和表现，美丽和丑陋，，强大，强大，弱，强大，强大，轻松，复杂，复杂性，独创性，独创性和笨拙，笨拙，笨拙，笨拙，笨拙，僵化，柔软，优雅与庸俗，与和谐，夸张与节日，高和低，慢慢，紧迫，紧迫性，混乱和质量。这些对比的变化不应该是正式的安排，而是促进角色的内在情绪。舞蹈动作的变化也来自于此。对比动作增加了情感变化的波动，使各种情感在亲戚中看起来更加生动和突出，因此它可以使舞蹈语言更加生动。
（2）必要的重复和繁殖：舞蹈和音乐是同一时间。尽管舞蹈仍然具有空间的形象，但在那里不能像雕塑一样被人们欣赏。为了将图像和艺术概念保留在观众身上，重复和复制方法至关重要。该方法是多种多样的：主题运动在不同的情节和段落中贯穿了 B主题运动，以及不同节奏的不同舞蹈组合（段落）的主要舞蹈组合（段落）在D开始时反复出现。是艺术概念的相同舞蹈待遇或繁殖E.动作元素
5。构图：组成是编舞中的重要组成部分。该作品包括舞台调度和屏幕。该构图的设计是通过角色的行为和情感发展。没有固定的程序。关键是设定舞台，通过改变团队模式将舞台设置为工作所需的空间和领域。对于舞台的组成，我国家的传统美学习惯是平衡且富有折成的。平衡通常被认为不是部分。平衡组成有两种类型，一种是对称和平衡的，另一种是不对称的平衡。该比例是指构图上的死末端或更少，更少的感觉，更少，少一个等。有时也有不平衡的场景。当时，由于需要强烈的情节冲突，这引起了高度令人不安的氛围。不同的作品会给观众留下不同的直觉：圆形使人们感到饱满；广场看起来很严肃且整洁（但很少使用）；三角形之间的三角形更加灵活。 ;弧线有深度的感觉；该专栏具有接近和压迫的感觉。水平排看起来很宁静。斜行看起来很远。在舞台安排中：直线很近，道路很短；曲线看起来很远，道路很长。 “ 8”一词是无限的；接近的感觉； “ V”一词是前进的，具有影响力和压力。与许多人一起使用的团队类型可以展示人群从远到附近和更少的人群。几个直的垂直和水平交错，能够增加一些气氛以使其呈现 - 无论是紧张，火热和战斗；扩散的致密类型会导致占用空间的动力。宽敞的大气会引起强烈的气氛和不可阻挡的气氛；突然，前部的连续安排突然，突然，左，左和右，给人们一种动荡和快速变化的感觉，这可能表明风暴，内心的跌宕起伏，激烈的战斗，激烈的战斗，激烈的战斗，等等。应该注意的是，舞蹈的组成不能孤立地设计。它必须与舞蹈动作结合使用，并且与衣服和道具密不可分。
6。选择演员来排练舞蹈：选择演员时，您必须考虑一个人是否可以承担舞蹈技巧和技巧，以塑造角色所需的必要条件。例如演员是喜剧或悲剧。无论是抒情还是武术，依此类推。在确定演员之后，导演应剖析演员的主题，内容，角色，情节，场景等，以便演员对作品有清晰而完整的概念。进一步分析角色，澄清演员的任务，熟悉舞蹈，然后一一教授动作，一一逐一排练，直到完整的舞蹈完成。
7.将彩排大厅的工作转移到舞台上是“综合”阶段。在合成之前，主任必须将工作内容和设计要求介绍给舞台各个方面的工作人员，风景，照明，衣服，道具，音频效果等，并最终确定计划。此时，舞台表演舞蹈工作诞生了。
（2）舞蹈的“看似和不同”
齐·贝希（Qi ）说：“奇妙的画之间是与不像。”看起来像媚俗，不像欺负世界。不像深刻内容的理论反映出中国艺术尊重客观对象和超越客观对象。它既天然又不被自然。特征。中国艺术的真实性的含义本质上是基于心脏和材料的统一，这是虚拟，徒手和艺术的幻想。这是一个超级模拟的图像前景。这不像它。从美学的角度来看，它是一个更高的相似之处。卢Xun先生曾经说过：“幻灭是出现的，不是在虚假的情况下看到真相，而是要在事实上看到错误。”艺术应基于缺陷，看到假货中的真相，然后看看真相。盖·蒂安（Gai Tian）曾经说过：“作为一部戏剧，您只能选择抓住本质并指出它。”详细信息越详细，越好，越好，但越抽象越好。
（3）艺术与技术之间的关系：巨大的艺术能力将产生出色的艺术作品，尽管技术短缺。如果没有如此巨大的艺术能力，即使是最完美的技术，也不会产生最好的作品。同样，没有艺术作品缺乏一定程度的技术技能或其他平等的东西。技术越完美，艺术作品就越完美。但是对于艺术家而言，无论技术多么重要，它都只能为艺术服务，而不等于艺术。与艺术和艺术相比，艺术始终是第一个。技术是为艺术服务的一种手段；反过来，技术技能对艺术有反应，因此我们必须注意技术技能。
（4）统一的多样性：在完整的艺术创造中，极其重要且始终需要的条件之一是“多样化的统一”，也就是说，统一的变化（多样），变化的统一。尽管在我们的意识中，同意经常出现，但变化同样重要。相反的力量通常存在于所有创意活动中。在创意技术方面，两者必须完全平衡。在编辑过程中，动机是统一的角色，连接行动是一种多样化的表现。
（5）进行一般创意活动时，有以下五种参考方法：
1。重复：可以是一定的动作，一定的动机或一定的舞蹈句子，一定的舞蹈部分，一定的动作。它可以完全重复，也可以重复。
2。比较：可能是动作的比较，或者是节奏，情感，舞蹈句子和舞蹈的比较。在艺术中，比较是最常见的有效手段。
3。变化：变化是主题更改的实现。
4。扩展：简短或任何主题，再加上任何其他新信息，将其展开以形成大段落。
5，繁殖：是指初始图像的重新出现。通常，您无需完全重现，而需要压缩或扩展。
（6）舞蹈的结构：结构化舞蹈时，不要忘记考虑始终使用舞蹈表演。不要忘记艺术形式和舞蹈运动的表演方法来处理角色和情节。否则歌剧，戏剧。
A的结构性情感舞蹈应注意：
1。组织情感：它是通过层次，逻辑和发展组织来组织舞蹈情绪和情感，以创建完整的工作。
2.安排节奏：根据主题的意图和意识形态感的变化来安排舞蹈节奏的变化。
3.舞蹈安排：舞蹈动作场景，安排必须具有核心的综合计划和布局。基于情绪的波动和节奏的变化，运动和屏幕构成了严格的舞蹈结构组织。
B介绍了几种情感舞蹈的结构：
1。三阶段结构：（ ABA）这是音乐的三部曲。完整的舞蹈的布局分为三段，而A节A部分在情感和节奏之间形成了鲜明的对比。
2。两个阶段结构：（AB）
3。单节：（a）
从上面，我们可以看到，除了情节，场景和段落之外，舞蹈导演想起舞蹈脚本时，您还必须考虑音乐和舞蹈的待遇和布局。
（7）舞蹈中的音乐：作为一种全面的舞蹈艺术，音乐处于非常重要的位置。只有音乐才能有一个完整的舞蹈，因此您必须与音乐家进行合作。
1。如何与音乐家合作：导演应采取您的创造动力和意图，构思